Category: FOTOGRAFÍA / IMAGEN
Un video descriptivo de la ZPrinter 3D en el IPN.
The Gift of Disinheritance
Recent work
«Nip tuck», 2009, Crumpled canvas oil painting.
«push your own damn boat,» 2009, Cut canvas oil painting.
«A History Far Too Convoluted For Words,» 2008, cut canvas oil paintings
«Conclusive» (Front), 2008, Cut canvas oil painting
«Conclusive» (Back), 2008, Cut canvas oil painting
«How I found him», 2008, oil, canvas, branch, twine
«Our mother was always so…» 2009, Oil on canvas
«Mother’s Solution…», 2009, oil on canvas
«All we Know of our Father», 2008, oil on canvas
«How I remember him», 2009, oil and tar on canvas
«Bind up thy wounds and press on», 2008, Oil on canvas
«George, George, George», Installed at SCAD, 2008, oil on canvas on wood.
Hungry!, oil on canvas, 2008
Martyr, oil on linen, 2008
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Removed from Tar, oil and tar on wood block, 2008
Crumpled self-portrait, crumpled canvas oil painting, 2008
Patriot Flag, crumpled canvas oil painting, 2008
Seascape, Crumpled canvas oil painting on stretcher, 2008
Seascape, detail
Still Hungry, oil, spray paint and enamel on canvas, 2008
Slippage, Installed in the studio, 2008, velvet, wood, gold leaf
Slippage, Detail 2008,
“I still don’t know how it ended like this, but it began when one of the older women called her blackness into question.”, 2008, Oil on canvas, submerged in steel tank of tar, on wood platform
Seaworthy, 2008, Cut canvas oil painting and thread
Virginia born, 2008, Oil and tar on canvas,
Kindling, 2008, Cut canvas oil painting
My failure, not hers, 2008, Oil and tar on canvas
“I still don’t know how it ended like this, but it began when one of the older women called her blackness into question.”, Study, 2007
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Finding folding and fondling our first forefather, 2007
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From Sea to Shining Sea, 2007
Shroud (before, after, and detail), 2007
Shroud (front, and back), 2007
Aftermath: Artifact #2, 2006-2007
Aftermath: Artifact #2 (detail), 2006-2007
Conversation Between Paintings #3: Descent, 2007
Conversation Between Paintings #2: The Meeting: «We Was Jus’ Talkin,’” 2007
Conversation Between Paintings #1: Decending From a Cross to be Nourished at the Breast of Our Mother, 2006-2007
Study of Negro Reparation, 2006
«He Titled His Piece ‘Bust'», 2007
Unsure Footing: Unfolding the Myth of Power, 2007
White Underneath 1-6, 2006-2007
White Underneath, Detail
Scream, 2006
Spouse, 2006
“Mama She Ain’t White She Jus’ Real Light Skinded” (front and back), 2006
Othello, 2005
Whitewash, 2005
Bent Over Backward, 2005
Fallen, 2006
Through, 2005
Wholeness, 2006
Están invitados a la inauguración de la exposición fotográfica:
apariencia, no otra cosa
FECHA:
28 de marzo de 2011 a las 04:00
LUGAR:
Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, Campus Santa Fe
Av. Carlos Lazo No. 100 Col. Santa Fe, México D.F. 01389
Tel. 01(55) 9177 8000 Ext. 7970
apariencia, no otra cosa
y qué es lo que vas a decir
voy a decir solamente algo
y qué es lo que vas a hacer
voy a ocultarme en el lenguaje
y por qué
tengo miedo
alejandra pizarnik, cold in hand blues
a
Parece algo serio, pero es apariencia, no otra cosa.
Es sólo un juego.
Un juego con los objetos fotografiados para crear composiciones casi abstractas.
Un juego con la profundidad de campo donde el fuera de foco aparenta ser intencional y no mi obvia necesidad de usar anteojos.
Donde las composiciones se conforman de los espacios en blanco y no de los objetos fotografiados, de modo que el fondo pasa a ser menos importante que la forma.
Un juego con el espectador, quien es libre de interpretar la imagen a su gusto y conveniencia, entendiendo que es a partir de esa interpretación que pondrá en evidencia sus propios pensamientos.
Las imágenes de esta exposición son sólo líneas, colores, contrastes, formas. Habrá quien se aventure a ver plantas, aves que dejan el nido, cuerpos, manos y otras cosas. Allá cada quien con su manera de percibir las imágenes.
apariencia, no otra cosa es también un juego con el lenguaje escrito. Una manera de trascodificar poesía como inspiración para crear imágenes.
Los títulos y la esencia de la imagen vienen de Haiku y la poesía principalmente de Girondo y Pasolini.
Y si me oculto en el lenguaje disculpen ustedes, lo hago solamente porque no me siento artista. Es apariencia, no otra cosa.
JORGE RODRÍGUEZ PATIÑO
marzo, 2011
OBRA QUE SERÁ EXPUESTA:
1. cansado de acariciar la tierra con un vientre de oruga, de carecer de antenas (de estar siempre conmigo) es que he decidido convertirme en mariposa
Dimensiones: 20 x 24 in.
Plata sobre gelatina
2. en las alturas
un pichón deja su nido
y se peina de nubes
Dimensiones: Tres fotografías de 20 x 24 in. cada una
Manipulación digital a partir de negativos
Composiciones visuales trascodificando haiku
3. una apariencia de la despedida de la umbelifera que a lo alto se disgrega, y una pareja se encuentra en un beso
Dimensiones: 20 x 24 in.
Manipulación digital a partir de negativos
4. colapso de umbeliferas a la derecha o acaso una imagen sin nivel de burbuja
Dimensiones: 20 x 24 in.
Manipulación digital a partir de negativos
5. reto a la potencia de un lente, expresado en dioptrias, por una rompiente umbelifera florescente
Dimensiones: 20 x 24 in.
Manipulación digital a partir de negativos
6. tertulia de formas geométricas
Dimensiones: 20 x 24 in.
Manipulación digital a partir de negativos
7. pasto que sabe a leche, salpicando. como un homenaje a Pollock
Dimensiones: 20 x 24 in.
Manipulación digital a partir de negativos
8. espinazo vegetal de un ente jorobado aún mojado por la lluvia (costillas de estegosaurio)
Dimensiones: 20 x 24 in.
Manipulación digital a partir de negativos
9. brisa de verano
hierba fresca
entre ellas una mano corre
Dimensiones: Tres fotografías de 20 x 24 in. cada una
Manipulación digital a partir de negativos
Composiciones visuales trascodificando haiku
10. oruga lúbrica desnuda sólo nutrida de frotes
Dimensiones: 20 x 24 in.
Manipulación digital a partir de negativos
11. sedimento aglutinante de un precipitado de labios
Dimensiones: 20 x 24 in.
Manipulación digital a partir de negativos
12. abro la mañana de un blanco lunes
crujen bosques húmedos
tu sexo a la intemperie gritando soledad
Dimensiones: Tres fotografías de 10 x 24 in. cada una
Manipulación digital a partir de negativos
Composiciones visuales trascodificando haiku
voy subiendo como voy revelando y escaneando.
Estos son una cábulas que nomás me traían de bajada:
La de enmedio, tan sonriente, es mi novia. Se llama Gabriela. La de arriba de ella es Aurora, mi cuñada.
Un farolito:
Ahi vamos… se actualiza…
El dinamismo se desarrolla en el tiempo
El futurismo (1910) fue una vanguardia artística que exaltó el progreso tecnológico, la libertad artística y el dinamismo del mundo moderno. En uno de los manifiestos de esta vanguardia artística se lee:
«El gesto que reproduzcamos en el lienzo no será más un momento fijo en el dinamismo universal. Simplemente será la misma sensación dinámica (…). Debido a la persistencia de la imagen en la retina, los objetos en movimiento se multiplican a sí mismos constantemente; su forma cambia como rápidas vibraciones en su loca carrera. De ese modo, un caballo en movimiento no tiene cuatro patas, sino veinte, y sus movimientos son triangulares.»
Con su nuevo arte, los futuristas querían mostrar el mundo no tal como era en la realidad sino como se experimentaba realmente. Así, la experiencia del movimiento en un tiempo lo mostraron pictóricamente en la repetición de una misma forma una y otra vez.
Giacomo Balla fue, de los futuristas, quien más se preocupó por representar el movimiento. En esta obra – Estudio sobre el vuelo de las golondrinas – el artista recrea la velocidad y el vuelo de las aves al colocar a cada una de ellas en una secuencia precisa, una después de la otra. La sensación del tiempo que presenta es la de un periodo muy corto, de un suceso intempestivo. La rapidez del movimiento que aparece en los cuadros futuristas expresa su gusto por la fugacidad, por lo inmediato, por la acción.
El tiempo es un fenómeno físico
Cuando nos detenemos a observar este cuadro de Marcel Duchamp, podemos reconocer una serie de formas geometrizadas que componen una especie de cuerpo «mecanizado». La superposición de cilindros, conos, esferas, líneas y rayones, provocan el efecto visual de «movimiento» en esta composición. El título mismo -Desnudo bajando la escalera- nos indica que en esta obra debemos buscar un cuerpo dinámico. Sin embargo, a primera vista nuestro ojo no encuentra exactamente lo que el título pide. No vemos tal «desnudo», en el sentido convencional del término, sino una abstracción de éste, y tampoco es evidente la presencia de la escalera. Pero la sucesión de pasos que requirió ese cuerpo para descender por la escalera se aprecia más claramente. Entre otras cosas, el artista nos muestra un fragmento específico de tiempo, aquel que transcurre en el movimiento de un cuerpo bajando una escalera. Desde la pintura, esta obra hace algo que también hizo la fotografía científica: en la búsqueda de un análisis meticuloso del movimiento de un cuerpo en el espacio, descompone las imágenes de su trayectoria. Es decir, representa en términos plásticos el tiempo como fenómeno físico.
La fragmentación y multiplicación de las formas de Desnudo bajando la escalera se tomó en su momento (1912) como signo evidente de la ruptura de la pintura vanguardista con la tradición artistica. Este cuadro se inscribe en la época en que Marcel Duchamp exploraba el Cubismo.
Cuando se inventó la fotografía, el primer uso que se le dio fue científico. Por primera vez, se podía «congelar» un momento de la realidad y echar una mirada más fija y continua a las cosas. La fotografía permitía hacer un cuidadoso análisis de la estructura y del movimiento, análisis que jamás había sido posible.
Todos los fenómenos naturales y físicos comenzaron a fotografiarse con el afán de estudiarlos de cerca, en la inmovilidad con la que aparecían en una impresión fotográfica. Para estudiar el movimiento se desarrollaron las cronofotografías, en donde el dinamismo de un cuerpo quedaba registrado fotográficamente en cada una de sus flexiones y tensiones. Este tipo de imágenes ayudó a entender mejor la física de los cuerpos.
Aunque hay ciertas similitudes entre ambosDesnudos Duchamp aseguró no recordar haber visto este Desnudo bajando una escalera de Eadweard Muybridge.
Una de las pinturas más audaces e inteligentes del siglo XX. Los desnudos bajando una escalera de Duchamp son iconos a medio camino entre el cubismo, el futurismo y el dada, en los que la multiplicación de puntos de vista sugiere una sensación de movimiento nunca vista hasta entonces. La interpretación del cuerpo humano como una máquina en movimiento es una idea puramente futurista en la que el desarrollo de la cronofotografía y los comienzos de la cinematografía tuvieron mucho que ver. Poco después de estas composiciones, Duchamp comenzaría su periodo más dada, con sus ready-made y sus icónicas fuentes-orinales.
Los Duchamp eran una familia burguesa y aficionada a las artes. No es casual que sus tres hijos varones -Gaston (conocido como Jacques Villon), Raymond y Marcel acabaran siendo famosos artistas decantados, además, por las incipientes corrientes vanguardistas que irrumpieron con fuerza en la escena francesa de la segunda década del siglo.
Marcel, el menor, nació en Blainville-Crevon, cerca de Rouen, y en 1906, antes de cumplir los veinte años, ya está en Montll!artre, en pleno meollo del París artístico. Al tiempo que empieza a pintar, publica caricaturas y dibujos humorísticos en la prensa, avanzando así una veta decisiva en toda su insólita obra posterior: el humor, la ironía y la parodia.
En 1908 se muda a Neully, población cercana a la capital donde residirá en casi todas sus estancias parisinas. Ese año expone por primera vez en el Salón de los Independientes, foro por excelencia, junto con el de Otoño, de las últimas tendencias artísticas. Hasta 1911 explora todas las propuestas pictóricas que le ofrece el panorama moderno, desde los jirones del posimpresionismo hasta el color arbitrario de los fauves, para recalar finalmente en el cubismo, que empieza a cobrar presencia pública. Desde el año anterior, sus hermanos vienen convocando informales reuniones dominicales en su estudio de Puteaux, donde Marcel coincide con Kupka, de la Fresnaye, Picabia y Archipenko. De allí nacería una facción más o menos definida al exponer todos juntos en la sala 43 de los Independientes de 1911, a la que se ha dado en llamar grupo de Puteaux. Frente al cubismo ortodoxo de Gleizes, Metzinger, Le Fauconnier o Gris, los artistas de Puteaux representan una vertiente más conceptual, que cuaja en la fundación en 1912 de la Section d’Or, cuya exposición se celebra en otoño en la galería de la Boétie. Los parecidos y diferencias entre unos y otros son sutiles y complejos, pero las tensiones se ponen de manifiesto en los Independientes de ese año, cuando Duchamp retira su Desnudo bajando una escalera ante la abierta hostilidad mostrada por Le Fauconnier hacia el cuadro.
Ese mismo año Duchamp asiste con Picabia y Apollinaire a la representación de Impressions d’Afrique, obra teatral de Raymond Roussel cuya delirante fantasía maquinista les causa gran impresión. Marcel pasa algún tiempo en Munich trabajando en pinturas centradas en el movimiento entendido como tránsito entre dos estados. Sus pinturas no se venden y se emplea en la biblioteca de Santa Genoveva, donde estudia tratados de perspectiva, geometría y matemáticas. La incomprensión parisina se torna éxito resonante en Nueva York, en cuya Exposición Internacional de Arte Moderno de 1913 –conocida como Annory Show- cuelga el Desnudo junto a otras tres significativas obras de este periodo. Como consecuencia, Duchamp viaja a Nueva York en 1915. Ya por entonces había acusado la influencia del futurismo que venía de Italia desde 1910 y, sobre todo, de Dadá, el más radical de los frutos de la vanguardia florecido en 1914 en el Cabaret Voltaire de Zurich. En Nueva York cuenta con el apoyo del matrimonio Arensberg, en adelante los mayores coleccionistas de su obra, y su reencuentro americano con Picabia o la relación con personajes como Beatrice Wood y el fotógrafo Man Ray refuerzan la orientación dadaísta.
A tono con esa nueva corriente, Duchamp realiza en 1913 su primer ready-made (Rueda de bicicleta), con el que inaugura la idea del objeto «estéticamente anestesiado». Paralelamente, sus tentativas pictóricas van tomando forma en la obra clave de su producción y, a la vez, una de las pocas imprescindibles para entender el arte moderno: La mariée mise a nu par ses célibataires, meme, también llamada el Gran Vidrio. Duchamp trabajó en ella desde 1915 hasta 1923, dándola entonces por «definitivamente inacabada». Con el Gran Vidrio -una pintura que empieza a dejar de serIo, pero también un mecanismo virtual- finaliza oficialmente su carrera como pintor, aunque en 1918 acaba Tu m’ , una suerte de diorama anamórfico que resume los ready-mades hechos hasta entonces. Desde principios de los años veinte, Duchamp vive a caballo entre Nueva York y París. En la ciudad americana protagoniza iniciativas de inequívoco aire dadá como las revistas The Blind Man y Rongwrong, fundadas en 1917 y que no sobrepasan el segundo número, o New York Dada, publicada con Man Ray en 1921. De entonces data su alter ego Rrose Sélavy, que aparece por primera vez en la etiqueta del ready-made Belle Haleine, y la Société Anonyme Inc. , creada en 1920 con Katherine Dreier y Man Ray para promover y organizar exposiciones de arte moderno.
Duchamp compatibiliza su peculiar dedicación artística con el ajedrez, que llegó a practicar de forma semiprofesional. Además de los ready-mades construye máquinas ópticas e interviene en películas de Man Ray, Picabia y Hans Richter, entre las que destaca Anemic Cinema (1925). A lo largo de los años treinta y cuarenta mantiene estrechas relaciones con André Breton y los surrealistas, para los que realiza el montaje de distintas exposiciones -como la famosa Exposición Internacional del Surrealismo de París, en 1938- o la Puerta Gradiva (1937), para la galería del mismo nombre fundada por Breton. Entre 1946 y 1966 trabaja de forma reservada en Étant donnés, una instalación que no se conocerá públicamente hasta después de su muerte y que constituye su gran legado, al mismo nivel del Gran Vidrio. En 1955 adquirió la ciudadanía de los Estados Unidos, donde tuvo gran influencia en la escena artística de los años cincuenta y sesenta, tanto sobre pintores como Rauschenberg y Jasper Johns como sobre el músico John Cage o el coreógrafo Merce Cunningham. En Europa también es perceptible su huella en las prácticas artísticas no convencionales de grupos como Fluxus o lo que se dará en llamar «arte de acción». Cuando muere en Neully, en 1968, el carácter axial de su figura en el arte de nuestro siglo está ya plenamente reconocido.
A tono con esa nueva corriente, Duchamp realiza en 1913 su primer ready-made (Rueda de bicicleta), con el que inaugura la idea del objeto «estéticamente anestesiado». Paralelamente, sus tentativas pictóricas van tomando forma en la obra clave de su producción y, a la vez, una de las pocas imprescindibles para entender el arte moderno: La mariée mise a nu par ses célibataires, meme, también llamada el Gran Vidrio. Duchamp trabajó en ella desde 1915 hasta 1923, dándola entonces por «definitivamente inacabada». Con el Gran Vidrio -una pintura que empieza a dejar de serIo, pero también un mecanismo virtual- finaliza oficialmente su carrera como pintor, aunque en 1918 acaba Tu m’ , una suerte de diorama anamórfico que resume los ready-mades hechos hasta entonces. Desde principios de los años veinte, Duchamp vive a caballo entre Nueva York y París. En la ciudad americana protagoniza iniciativas de inequívoco aire dadá como las revistas The Blind Man y Rongwrong, fundadas en 1917 y que no sobrepasan el segundo número, o New York Dada, publicada con Man Ray en 1921. De entonces data su alter ego Rrose Sélavy, que aparece por primera vez en la etiqueta del ready-made Belle Haleine, y la Société Anonyme Inc. , creada en 1920 con Katherine Dreier y Man Ray para promover y organizar exposiciones de arte moderno.
Trabajo en gran formato para exposición.
Series de tres imágenes.
Composición visual trascodificando Haiku.
Tema: Mariposas
Manipulación digital a partir de negativos.
Intención de crear composiciones casi abstractas a partir de la línea, el contraste, el color y la distancia focal.
Jorge Rodríguez Patiño
el cine signo 
